Les Grands Photographes du XXe siècle : Témoins et Artistes d’une Époque

Le XXe siècle a été une période révolutionnaire pour la photographie, portée par l’évolution des technologies (des appareils grand format aux boîtiers 35mm légers), les bouleversements sociaux (guerres, crises économiques) et une reconnaissance croissante de la photographie comme art. Voici une exploration détaillée de 20 photographes majeurs, leurs styles, leurs outils et leurs contributions, illustrée par des exemples précis d’œuvres.

1. Ansel Adams (1902-1984)

Ansel Adams a élevé la photographie de paysage au rang d’art grâce à sa maîtrise technique et sa vision poétique des espaces naturels américains, notamment dans le Yosemite. Il a développé le « système des zones », une méthode pour contrôler l’exposition et le développement, garantissant des noirs profonds et des blancs éclatants. Monolith, The Face of Half Dome (1927) capture une paroi rocheuse sous une lumière dramatique, illustrant sa quête de perfection formelle et sa passion pour la conservation de la nature.

2. Henri Cartier-Bresson (1908-2004)

Pionnier du photojournalisme, Cartier-Bresson croyait en « l’instant décisif » – ce moment où tous les éléments d’une scène s’alignent parfaitement. Armé de son Leica, discret et rapide, il a parcouru le monde, capturant la vie quotidienne et les grands événements (comme la libération de Paris en 1944). Derrière la Gare Saint-Lazare (1932) montre un homme sautant au-dessus d’une flaque, figé dans un équilibre parfait entre mouvement et composition géométrique.

3. Robert Capa (1913-1954)

Capa, cofondateur de l’agence Magnum, incarnait le courage du photographe de guerre. Proche de l’action – il disait « Si ta photo n’est pas bonne, c’est que tu n’étais pas assez près » – il a couvert cinq conflits majeurs avant de mourir en Indochine en 1954. The Falling Soldier (1936), prise pendant la guerre civile espagnole, montre un milicien républicain apparemment abattu en pleine course, une image controversée mais devenue symbole de l’horreur de la guerre.

4. Dorothea Lange (1895-1965)

Travaillant pour la Farm Security Administration (FSA) durant la Grande Dépression, Lange a documenté la misère des fermiers et des migrants avec une empathie rare. Migrant Mother (1936) montre Florence Owens Thompson, une mère de famille épuisée entourée de ses enfants, ses yeux exprimant à la fois désespoir et résilience. Cette image a sensibilisé l’Amérique à la crise et influencé les politiques sociales.

5. Man Ray (Emmanuel Radnitsky) (1890-1976)

Man Ray, artiste américain installé à Paris, a fusionné photographie et avant-garde (dadaïsme, surréalisme). Ses rayogrammes – images créées sans appareil en posant des objets sur du papier photosensible – et ses portraits audacieux ont redéfini le médium. Le Violon d’Ingres (1924) transforme le dos nu de Kiki de Montparnasse en instrument de musique, jouant sur l’érotisme et l’abstraction.

6. Walker Evans (1903-1975)

Evans a photographié l’Amérique rurale et urbaine des années 1930 avec une objectivité presque clinique, collaborant avec la FSA et l’écrivain James Agee pour Let Us Now Praise Famous Men. Allie Mae Burroughs (1936), portrait d’une femme de fermier en Alabama, révèle une dignité stoïque dans la pauvreté, grâce à une composition simple et un regard direct.

7. Diane Arbus (1923-1971)

Arbus s’est intéressée aux « freaks » et aux marginaux, cherchant la beauté dans l’inhabituel. Ses portraits, souvent pris au Rolleiflex pour un cadrage carré, sont à la fois troublants et tendres. Identical Twins, Roselle, New Jersey (1967) montre deux fillettes identiques aux expressions légèrement différentes, jouant sur la dualité et l’étrangeté.

8. Richard Avedon (1923-2004)

Avedon a révolutionné la photographie de mode en la sortant des studios figés pour lui insuffler mouvement et personnalité, avant de se consacrer à des portraits minimalistes sur fond blanc. Dovima with Elephants (1955), pour Harper’s Bazaar, juxtapose l’élégance d’une mannequin à la puissance brute des animaux, créant une tension visuelle saisissante.

9. Annie Leibovitz (1949-)

Formée par Rolling Stone, Leibovitz excelle dans les portraits de célébrités, mêlant mise en scène théâtrale et spontanéité. Whoopi Goldberg in a Bath of Milk (1984) montre l’actrice immergée dans une baignoire, son visage émergeant avec humour et défi, reflétant son style narratif et audacieux.

10. Robert Doisneau (1912-1994)

Doisneau a capturé l’âme de Paris avec un regard humaniste, souvent teinté d’humour. Le Baiser de l’Hôtel de Ville (1950), commandé par Life, montre un couple s’embrassant dans la rue, une image devenue l’icône du romantisme parisien, bien que mise en scène.

11. Helmut Newton (1920-2004)

Newton a transformé la photographie de mode en un terrain de provocation, explorant pouvoir, sexualité et glamour. Sie Kommen, Naked and Dressed (1981) montre quatre femmes en talons, d’abord habillées puis nues, dans une composition symétrique qui défie les conventions avec une froide sensualité.

12. Irving Penn (1917-2009)

Penn, connu pour ses travaux pour Vogue, apportait une élégance intemporelle à ses portraits et natures mortes. Girl with Tobacco on Tongue (1951) montre une jeune femme dans une pose provocante, capturée avec une lumière douce et une précision qui subliment l’ordinaire.

13. Sebastião Salgado (1944-)

Économiste devenu photographe, Salgado documente les travailleurs, les migrants et la nature avec une intensité dramatique en noir et blanc. Workers (1993), une série sur les conditions de travail mondiales, inclut des images saisissantes comme celles des mineurs de Serra Pelada au Brésil, évoquant l’échelle et la lutte humaine.

14. Margaret Bourke-White (1904-1971)

Première femme photographe pour Life, Bourke-White a couvert des événements historiques avec un sens épique. Gandhi at the Spinning Wheel (1946) montre le leader indien dans un moment de simplicité, contrastant avec la grandeur de son combat, capturé avec une composition équilibrée.

15. Brassaï (1899-1984)

Surnommé « l’œil de Paris », Brassaï a exploré la ville la nuit, photographiant prostituées, artistes et rues désertes. Paris de Nuit (1933), un livre et une série, révèle des pavés luisants et des silhouettes dans le brouillard, avec une lumière qui sculpte les textures.

16. Edward Weston (1886-1958)

Weston a cherché la beauté formelle dans les objets du quotidien, utilisant des appareils grand format pour une netteté exceptionnelle. Pepper No. 30 (1930) transforme un poivron en une sculpture sensuelle, où les courbes et la lumière évoquent presque un corps humain.

17. Yousuf Karsh (1908-2002)

Karsh, maître du portrait en studio, utilisait un éclairage dramatique pour révéler l’âme de ses sujets. Winston Churchill (1941), pris après que Karsh lui a arraché son cigare, montre un regard défiant qui a immortalisé le Premier ministre en symbole de résistance.

18. Cindy Sherman (1954-)

Sherman utilise la photographie comme performance, se grimant pour explorer les stéréotypes féminins. Untitled Film Still #21 (1978), issue d’une série évoquant le cinéma noir, la montre en femme mystérieuse dans une rue urbaine, questionnant identité et représentation.

19. Nan Goldin (1953-)

Goldin a documenté sa vie et celle de ses amis – drogue, amour, violence – avec une honnêteté crue. The Ballad of Sexual Dependency (1986), un diaporama devenu livre, inclut des images comme celle de son propre visage tuméfié après une agression, mêlant intimité et douleur.

20. Raymond Depardon (1942-)

Membre de Magnum, Depardon alterne entre photojournalisme (guerres, institutions) et projets personnels sur la ruralité. Glasgow (1980), une série sur les quartiers populaires écossais, montre des enfants jouant dans des rues grises, capturant la mélancolie avec une tendresse documentaire.

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Tableau récapitulatif des 20 photographes

Photographe	Style	Matériel utilisé	Exemple d’œuvre
Ansel Adams	Paysage, noir et blanc	Appareils grand format (ex. 4×5)	Monolith, The Face of Half Dome (1927)	Shop Original Ansel Adams Photographs, Prints Online – Store – The Ansel Adams Gallery
Henri Cartier-Bresson	Photojournalisme, instant décisif	Leica 35mm	Derrière la Gare Saint-Lazare (1932)	Henri Cartier-Bresson | MoMA
Robert Capa	Photographie de guerre	Leica 35mm, Contax	The Falling Soldier (1936)	Robert Capa • Photographer Profile • Magnum Photos
Dorothea Lange	Documentaire social	Graflex, Rolleiflex	Migrant Mother (1936)	Dorothea Lange | MoMA
Man Ray	Surréalisme, expérimental	Appareils variés, rayogrammes	Le Violon d’Ingres (1924)
Walker Evans	Réalisme documentaire	Appareils grand format, 35mm	Allie Mae Burroughs (1936)
Diane Arbus	Portrait intimiste, marginalité	Rolleiflex, Nikon	Identical Twins, Roselle (1967)
Richard Avedon	Mode, portrait	Deardorff 8×10, Rolleiflex	Dovima with Elephants (1955)	The Richard Avedon Foundation
Annie Leibovitz	Portrait théâtral	Nikon, Canon DSLR	Whoopi Goldberg in a Bath of Milk (1984)
Robert Doisneau	Humanisme, vie quotidienne	Rolleiflex, Leica	Le Baiser de l’Hôtel de Ville (1950)
Helmut Newton	Mode provocante	Nikon, Rolleiflex	Sie Kommen, Naked and Dressed (1981)
Irving Penn	Portrait, nature morte	Rolleiflex, Deardorff	Girl with Tobacco on Tongue (1951)
Sebastião Salgado	Documentaire humanitaire	Leica, Pentax	Workers (1993)
Margaret Bourke-White	Photojournalisme	Graflex, Leica	Gandhi at the Spinning Wheel (1946)
Brassaï	Photographie nocturne	Voigtländer, Rolleiflex	Paris de Nuit (1933)
Edward Weston	Formes naturelles, netteté	Appareils grand format (8×10)	Pepper No. 30 (1930)
Yousuf Karsh	Portrait dramatique	Calumet 8×10, Rolleiflex	Winston Churchill (1941)
Cindy Sherman	Photographie conceptuelle	Nikon, Canon	Untitled Film Still #21 (1978)
Nan Goldin	Snapshot intimiste	Leica, Nikon	The Ballad of Sexual Dependency (1986)
Raymond Depardon	Photojournalisme, auteur	Leica, Canon	Glasgow (1980)

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Analyse et Héritage

Ces photographes ont exploité une gamme d’appareils adaptés à leurs besoins : les grands formats (Adams, Weston) pour une précision inégalée, les 35mm (Capa, Cartier-Bresson) pour la mobilité, et les reflex modernes (Leibovitz, Sherman) pour la flexibilité. Leurs œuvres reflètent leurs contextes : la Grande Dépression pour Lange et Evans, les guerres pour Capa et Bourke-White, ou les révolutions culturelles pour Sherman et Goldin.

Leurs images – de Migrant Mother à Pepper No. 30 – ne sont pas seulement des documents ou des œuvres d’art, mais des jalons qui ont façonné notre compréhension du XXe siècle. Adams a inspiré l’écologie visuelle, Cartier-Bresson la spontanéité journalistique, et Newton ou Leibovitz la photographie comme spectacle. Ensemble, ils ont fait de la photographie un miroir du monde et un outil de création.

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Les appareils mythiques du XXe siècle et l’évolution numérique

Le matériel photographique du XXe siècle a joué un rôle crucial dans les réussites artistiques et documentaires de ces photographes. Voici un aperçu des appareils emblématiques utilisés par ces figures, leur impact à leur époque, et une exploration de la transition vers le numérique qui a marqué la fin du siècle.

Les appareils mythiques

1. Appareils grand format (4×5, 8×10)
   • Exemples : Ansel Adams (4×5), Edward Weston (8×10), Richard Avedon (Deardorff 8×10), Yousuf Karsh (Calumet 8×10).
   • Impact : Au début du siècle, ces appareils lourds mais précis dominaient la photographie artistique et de studio. Avec leurs grandes plaques de verre ou films en feuille, ils offraient une résolution et une netteté inégalées, idéales pour les paysages d’Adams ou les natures mortes de Weston. Leur usage demandait patience et expertise, reflétant une époque où la photographie était un artisanat méticuleux. Leur déclin a coïncidé avec la montée des formats plus petits, mais ils restent mythiques pour leur qualité intemporelle.
2. Leica 35mm
   • Exemples : Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Sebastião Salgado, Robert Doisneau.
   • Impact : Introduit dans les années 1920 par Leica, ce boîtier compact et léger a révolutionné la photographie en offrant mobilité et discrétion. Il a permis à Cartier-Bresson de capturer « l’instant décisif » et à Capa de s’approcher des combats. Son viseur télémétrique et son film 35mm ont démocratisé le photojournalisme, marquant un tournant vers une photographie plus spontanée et dynamique.
3. Rolleiflex (bi-objectif)
   • Exemples : Dorothea Lange, Diane Arbus, Irving Penn, Robert Doisneau, Helmut Newton.
   • Impact : Ce reflex bi-objectif, populaire dès les années 1920, utilisait un film moyen format (6×6) et un viseur à hauteur de poitrine, offrant une qualité supérieure au 35mm tout en restant portable. Lange l’a utilisé pour ses portraits humanistes, et Arbus pour ses cadrages carrés distinctifs. Sa simplicité et sa fiabilité en ont fait un favori des photographes de rue et de mode jusque dans les années 1960.
4. Graflex Speed Graphic
   • Exemples : Dorothea Lange, Margaret Bourke-White.
   • Impact : Symbole des reporters des années 1930-1940, cet appareil grand format portable (4×5) avec flash était prisé par les photojournalistes américains. Bourke-White l’a utilisé pour ses images monumentales, et Lange pour ses travaux de la FSA. Bien que encombrant, il combinait qualité et rapidité pour l’époque, incarnant l’âge d’or du photoreportage.
5. Nikon (35mm et DSLR)
   • Exemples : Diane Arbus (fin de carrière), Helmut Newton, Annie Leibovitz, Cindy Sherman, Nan Goldin.
   • Impact : Dès les années 1950, les reflex Nikon (comme le Nikon F) ont apporté robustesse et optiques de pointe, séduisant les photographes de mode et d’art. Avec l’arrivée des DSLR à la fin du siècle, Leibovitz et Sherman ont exploité leur polyvalence pour des mises en scène complexes, marquant la transition vers le numérique tout en restant ancrées dans une tradition analogique.
6. Contax
   • Exemples : Robert Capa (début de carrière).
   • Impact : Concurrent du Leica dans les années 1930, ce 35mm télémétrique offrait une alternative élégante et précise. Capa l’a utilisé pour ses premières images de guerre, avant de passer au Leica. Moins populaire à long terme, il reste associé à l’essor du photojournalisme.
7. Voigtländer
   • Exemples : Brassaï.
   • Impact : Ces appareils allemands, souvent en moyen format, étaient prisés dans les années 1920-1930 pour leur qualité optique. Brassaï s’en est servi pour ses scènes nocturnes parisiennes, capturant des détails dans une lumière faible, une prouesse pour l’époque.
8. Pentax
   • Exemples : Sebastião Salgado.
   • Impact : Les reflex Pentax (comme le 6×7 moyen format) ont offert une alternative robuste aux Rolleiflex dans les années 1970-1980. Salgado les a utilisés pour leurs optiques lumineuses et leur fiabilité sur le terrain, renforçant la qualité dramatique de ses noirs et blancs.
9. Canon (DSLR et 35mm)
   • Exemples : Annie Leibovitz, Raymond Depardon, Cindy Sherman.
   • Impact : Dès les années 1960 avec les reflex 35mm, puis avec les DSLR à la fin du siècle, Canon a rivalisé avec Nikon pour équiper les photographes modernes. Depardon et Leibovitz ont profité de leur ergonomie et de leur technologie avancée pour des projets variés, du documentaire au portrait scénarisé.
10. Deardorff et Calumet
    • Exemples : Richard Avedon (Deardorff), Yousuf Karsh (Calumet).
    • Impact : Ces appareils grand format américains, souvent en 8×10, étaient les Rolls-Royce des studios au milieu du siècle. Leur précision et leur capacité à gérer la lumière en ont fait des outils de choix pour les portraits iconiques d’Avedon et Karsh, définissant un standard de qualité professionnelle.

L’évolution numérique à la fin du XXe siècle

À la fin du XXe siècle, la photographie a connu une révolution avec l’avènement du numérique, qui a commencé à transformer les pratiques des photographes actifs dans les années 1990 et au-delà. Parmi les 20 photographes de cette liste, ceux encore en activité à cette période – comme Annie Leibovitz, Cindy Sherman, Nan Goldin, Sebastião Salgado et Raymond Depardon – ont été directement confrontés à cette transition.

• Débuts du numérique : Les premiers appareils photo numériques professionnels, comme le Kodak DCS (basé sur un Nikon F3) en 1991 ou le Canon EOS DCS 3 en 1995, offraient des capteurs de faible résolution (1 à 2 mégapixels) mais annonçaient un changement radical. Contrairement aux films, qui nécessitaient développement et tirage, le numérique permettait un retour immédiat sur les images, une flexibilité dans la post-production et une capacité de stockage accrue.
• Adoption par les photographes :
  • Annie Leibovitz a adopté les DSLR Nikon et Canon dans les années 1990-2000 pour ses portraits complexes (Vanity Fair, campagnes publicitaires), exploitant la possibilité de retoucher les couleurs et les détails en post-production, ce qui renforçait son style théâtral.
  • Cindy Sherman a intégré le numérique dans ses séries plus tardives, utilisant des outils comme Photoshop pour manipuler ses autoportraits, accentuant son exploration des identités fictives avec une précision accrue.
  • Nan Goldin, bien que fidèle au film pour son esthétique brute, a expérimenté le numérique pour des projets personnels, conservant son approche snapshot mais avec une diffusion plus rapide.
  • Sebastião Salgado a résisté au numérique pendant longtemps, privilégiant le film pour ses noirs et blancs riches (comme dans Genesis), mais il a fini par adopter des DSLR pour leurs avantages logistiques lors de voyages.
  • Raymond Depardon, documentariste pragmatique, a utilisé des Canon DSLR pour leurs capacités vidéo et leur légèreté, adaptant son style journalistique à la modernité.
• Impact majeur : Le numérique a supprimé les contraintes du film (coût, nombre limité de prises) et accéléré le workflow, ce qui a particulièrement profité au photojournalisme et à la mode. Cependant, certains puristes, comme Salgado, ont critiqué la perte de la « texture » du film. Les DSLR Nikon (D1, 1999) et Canon (EOS-1D, 2001) sont devenus des références, offrant une qualité rivalisant avec le moyen format tout en étant portables, un compromis que les Rolleiflex ou Leica ne pouvaient égaler.
• Héritage : À la fin du XXe siècle, le numérique n’a pas encore pleinement supplanté l’analogique – beaucoup de photographes de cette liste ont bâti leur légende sur le film – mais il a posé les bases d’une ère nouvelle. Les appareils mythiques (Leica, Rolleiflex) restent célébrés pour leur rôle dans l’histoire, tandis que les DSLR ont ouvert la photographie à une créativité et une accessibilité inédites, influençant profondément le XXIe siècle.

Évolution et influence

Au début du XXe siècle, les appareils grand format dominaient pour leur qualité, mais leur lourdeur limitait leur usage hors studio ou expéditions planifiées (Adams, Weston). L’arrivée du Leica et du 35mm dans les années 1920-1930 a libéré les photographes, ouvrant la voie au photojournalisme et à la photographie de rue (Cartier-Bresson, Capa). Le Rolleiflex et le Graflex ont offert un compromis entre qualité et mobilité dans les années 1930-1950, tandis que les reflex Nikon, Pentax et Canon ont marqué la seconde moitié du siècle avec des avancées optiques. Enfin, le numérique, émergeant dans les années 1990, a redéfini les règles, offrant aux photographes comme Leibovitz et Sherman de nouveaux outils pour repousser les limites de leur art. Ces évolutions, des plaques de verre aux capteurs numériques, ont façonné un siècle d’innovation photographique.

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Les appareils mythiques du XXe siècle

Le matériel photographique du XXe siècle a joué un rôle crucial dans les réussites artistiques et documentaires de ces photographes. Voici un aperçu des appareils emblématiques utilisés par ces figures, leur impact à leur époque et leur place dans l’histoire de la photographie :

1. Appareils grand format (4×5, 8×10)
   • Exemples : Ansel Adams (4×5), Edward Weston (8×10), Richard Avedon (Deardorff 8×10), Yousuf Karsh (Calumet 8×10).
   • Impact : Au début du siècle, ces appareils lourds mais précis dominaient la photographie artistique et de studio. Avec leurs grandes plaques de verre ou films en feuille, ils offraient une résolution et une netteté inégalées, idéales pour les paysages d’Adams ou les natures mortes de Weston. Leur usage demandait patience et expertise, reflétant une époque où la photographie était un artisanat méticuleux. Leur déclin a coïncidé avec la montée des formats plus petits, mais ils restent mythiques pour leur qualité intemporelle.
2. Leica 35mm
   • Exemples : Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Sebastião Salgado, Robert Doisneau.
   • Impact : Introduit dans les années 1920 par Leica, ce boîtier compact et léger a révolutionné la photographie en offrant mobilité et discrétion. Il a permis à Cartier-Bresson de capturer « l’instant décisif » et à Capa de s’approcher des combats. Son viseur télémétrique et son film 35mm ont démocratisé le photojournalisme, marquant un tournant vers une photographie plus spontanée et dynamique.
3. Rolleiflex (bi-objectif)
   • Exemples : Dorothea Lange, Diane Arbus, Irving Penn, Robert Doisneau, Helmut Newton.
   • Impact : Ce reflex bi-objectif, populaire dès les années 1920, utilisait un film moyen format (6×6) et un viseur à hauteur de poitrine, offrant une qualité supérieure au 35mm tout en restant portable. Lange l’a utilisé pour ses portraits humanistes, et Arbus pour ses cadrages carrés distinctifs. Sa simplicité et sa fiabilité en ont fait un favori des photographes de rue et de mode jusque dans les années 1960.
4. Graflex Speed Graphic
   • Exemples : Dorothea Lange, Margaret Bourke-White.
   • Impact : Symbole des reporters des années 1930-1940, cet appareil grand format portable (4×5) avec flash était prisé par les photojournalistes américains. Bourke-White l’a utilisé pour ses images monumentales, et Lange pour ses travaux de la FSA. Bien que encombrant, il combinait qualité et rapidité pour l’époque, incarnant l’âge d’or du photoreportage.
5. Nikon (35mm et DSLR)
   • Exemples : Diane Arbus (fin de carrière), Helmut Newton, Annie Leibovitz, Cindy Sherman, Nan Goldin.
   • Impact : Dès les années 1950, les reflex Nikon (comme le Nikon F) ont apporté robustesse et optiques de pointe, séduisant les photographes de mode et d’art. Avec l’arrivée des DSLR à la fin du siècle, Leibovitz et Sherman ont exploité leur polyvalence pour des mises en scène complexes, marquant la transition vers le numérique tout en restant ancrées dans une tradition analogique.
6. Contax
   • Exemples : Robert Capa (début de carrière).
   • Impact : Concurrent du Leica dans les années 1930, ce 35mm télémétrique offrait une alternative élégante et précise. Capa l’a utilisé pour ses premières images de guerre, avant de passer au Leica. Moins populaire à long terme, il reste associé à l’essor du photojournalisme.
7. Voigtländer
   • Exemples : Brassaï.
   • Impact : Ces appareils allemands, souvent en moyen format, étaient prisés dans les années 1920-1930 pour leur qualité optique. Brassaï s’en est servi pour ses scènes nocturnes parisiennes, capturant des détails dans une lumière faible, une prouesse pour l’époque.
8. Pentax
   • Exemples : Sebastião Salgado.
   • Impact : Les reflex Pentax (comme le 6×7 moyen format) ont offert une alternative robuste aux Rolleiflex dans les années 1970-1980. Salgado les a utilisés pour leurs optiques lumineuses et leur fiabilité sur le terrain, renforçant la qualité dramatique de ses noirs et blancs.
9. Canon (DSLR et 35mm)
   • Exemples : Annie Leibovitz, Raymond Depardon, Cindy Sherman.
   • Impact : Dès les années 1960 avec les reflex 35mm, puis avec les DSLR à la fin du siècle, Canon a rivalisé avec Nikon pour équiper les photographes modernes. Depardon et Leibovitz ont profité de leur ergonomie et de leur technologie avancée pour des projets variés, du documentaire au portrait scénarisé.
10. Deardorff et Calumet
    • Exemples : Richard Avedon (Deardorff), Yousuf Karsh (Calumet).
    • Impact : Ces appareils grand format américains, souvent en 8×10, étaient les Rolls-Royce des studios au milieu du siècle. Leur précision et leur capacité à gérer la lumière en ont fait des outils de choix pour les portraits iconiques d’Avedon et Karsh, définissant un standard de qualité professionnelle.

Évolution et influence

Au début du XXe siècle, les appareils grand format dominaient pour leur qualité, mais leur lourdeur limitait leur usage hors studio ou expéditions planifiées (Adams, Weston). L’arrivée du Leica et du 35mm dans les années 1920-1930 a libéré les photographes, ouvrant la voie au photojournalisme et à la photographie de rue (Cartier-Bresson, Capa). Le Rolleiflex et le Graflex ont offert un compromis entre qualité et mobilité dans les années 1930-1950, tandis que les reflex Nikon, Pentax et Canon ont marqué la seconde moitié du siècle avec des avancées optiques et, finalement, le numérique. Ces outils, souvent mythifiés, ont non seulement répondu aux besoins techniques, mais ont aussi façonné les styles et les possibilités créatives, faisant du XXe siècle une ère d’innovation photographique sans précédent.

 

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